Jak tworzyć grafiki do internetu? Tajniki banerów GDN

Projektowanie banerów internetowych. Słowem wstępu o reklamie w sieci

Wytyczne techniczne reklam GDN

Oddziaływanie koloru na odbiorcę

Aby rozmawiać o grafice i projektowaniu banerów internetowych, należy zacząć od podstawowych kwestii jak chociażby temat koloru. Na potrzeby niniejszego artykułu przyjmiemy, że pojęcie “barwy” i “koloru” stanowi synonim, choć słowa te, zwłaszcza w literaturze zagranicznej, potrafią przyjąć odmienne znaczenie.

Psychologia koloru

Zagadnienie psychologii koloru jest o tyle ciekawe, co złożone. Jedną kwestią jest to jak pojedynczy kolor oddziałuje na odbiorcę, drugą - jak odbierane są połączenia kilku barw, a trzecią - oddziaływanie koloru w zależności od jego odcienia, jasności i nasycenia. Dochodzi tu również kwestia kultury w jakiej wychował się odbiorca (o czym później) i kontekstu zastosowania barwy - wykorzystanych zdjęć, grafik, typografii i konkretnego przekazu.

Kolor w reklamie

Barwa, jak pewnie wiesz z lekcji fizyki, stanowi wiązkę światła odbieraną przez nasze oczy i przetwarzaną przez mózg.

Pojęcia i koło barw

Zacznijmy od rozróżnienia wspomnianych chwilę wcześniej pojęć:

• odcień stanowi nazwę jaką nadajemy barwie - zielony, czerwony, purpura itd.
• jasność czyli to, czy barwa o jakiej mówimy jest jasna czy ciemna

Tu warto również zaznaczyć że odbiór jasności barwy jest zależny od jej otoczenia. Dla przykładu - jasny kwadrat na czarnym tle będzie się wydawał jaśniejszy, niż ten sam kwadrat na szarym (jaśniejszym) tle.

• nasycenie to intensywność koloru w barwie. Dla przykładu błękit nieba - niebo jest bardziej intensywnie błękitne w pogodny dzień, a błękitno-szare, gdy zapowiadają deszcz.

Jak zapewne wiesz, mieszanie kolorów powoduje powstanie innych barw. Z połączenia czerwieni i niebieskiego uzyskasz fiolet, z połączenia żółtego i niebieskiego powstanie zieleń itd. Takie właśnie zależności przedstawia klasyczne koło barw. Ciepłe to wszelkie odcienie związane z pozytywnymi odczuciami, od zieleni po czerwienie. Z kolei zimne, to te, które uspokajają lub kojarzą się ze smutkiem - od ciemnych zieleni, po błękity i fiolety. Samych metod łączenia barw jest sporo. Do najczęściej stosowanych zalicza się barwy:

• monochromatyczne - to wykorzystanie jednego koloru, ale różnego jego nasycenia i jasności

• analogowe - połączenia barw znajdujących się we wzajemnym sąsiedztwie na kole barw.

Jeśli wybierzemy jako kolor główny niebieski, to jego sąsiednie kolory to ciemna zieleń i ciemny niebieski wpadających w granatowy. Zestawienie to jest z założenia bezpiecznym wyborem, dość ciężko tu dobrać kolorystykę tak, by do siebie nie pasowała. Jednocześnie jest to zestawienie miłe dla oka, ponieważ w takim komplecie można je spotkać w naturze. Jeśli zdecydujesz się na tą metodę, wybierz 3 kolory, dzięki czemu będziesz miał kolor dominujący, dopełniający i akcentujący. Jest to korzystne zwłaszcza, że łatwiej wówczas o swobodę w kreacji pozostając wiernym wybranej trójce. Przykładem stosowania kolorów analogowych jest nasza firma. W naszej identyfikacji znajdziesz zieleń i morski niebieski.

• dopełniające - to barwy znajdujące się na przeciwległych końcach koła barw: czerwień-zieleń, żółty-fiolet itd.

Odradzamy stosowanie takiego zestawu jeśli jesteś osobą początkującą, ponieważ jest to połączenie niezwykle kontrastowe i niewłaściwie wykorzystane będzie drażniące i krzykliwe dla odbiorcy. Jednak jeśli zdecydujesz się na to rozwiązanie dobierz odpowiednio jasność i nasycenie. Często kolory te to dobre rozwiązanie dla niewielkich banerów przykuwających uwagę, ponieważ wielkość powierzchni reklamowej również wpływa na końcowy odbiór barw.

• rozdzielonych kolorów dopełniających - metoda zbliżona do powyższej. Wybierz barwę główną, a następnie kolory sąsiadujące z przeciwległego końca koła barw. Jest to metoda bezpieczniejsza od wcześniej omawianej, a więc spokojnie możesz ją stosować dla uzyskania odpowiedniego kontrastu z zachowaniem względnego bezpieczeństwa harmonii barwnej.

• z triady - wykorzystanie trzech kolorów, które na kole barw występują w równych od siebie odstępach. Jest to zestawienie efektowne, ale kłopotliwe, chyba że jedna z barw będzie stanowić Twoją podstawę, a reszta jedynie akcent.

• z tetrady - to wariacja triady. Tym razem wybierasz cztery kolory obecne na kole barw w równych od siebie odległościach. Można powiedzieć, że jest to zestawienie dwóch kolorów dopełniających (przypomnijmy: znajdujących się po przeciwnych stronach koła).

Przy takim układzie najlepszym wyjściem, podobnie jak poprzednio, jest wybór jednego koloru stanowiącego dominującą barwę, ponieważ stosowanie czterech barw równolegle w tej samej ilości będzie stanowić zbyt duży misz-masz dla odbiorcy.

Znaczenie koloru

Co daje nam świadome zastosowanie barwy w reklamie? Przyciąga ona uwagę, wpływa na zapamiętanie kreacji, jest stosowana jako wyróżnik, ale i medium komunikacji konkretnych odczuć i skojarzeń. Dodatkowo, jeśli stosujesz jednakową gamę kolorystyczną w swojej komunikacji utrwalasz się nią w pamięci konsumenckiej. Spójrz chociażby na Playa i jego fioletowy, Inpost i jego słoneczny żółty, Coca-Colę wierną czerwieni czy McDonalda i jego żółto-czerwone zestawienie barwne. Warto jednak pamiętać, że każda barwa ma dwa oblicza - może budzić zarówno pozytywne, jak i negatywne skojarzenia. Przykładem może być żółty, który może być zarówno ciepły i skorelowany z latem, jak i ostrzegawczy, połączony z poczuciem zagrożenia. Dobór barw w kreacjach reklamowych powinien być mocno skorelowany z identyfikacją firmy - stosowanymi barwami w logo, na prowadzonej stronie internetowej i w innych mediach. Dlatego w pierwszym kroku zaglądnij do Księgi Identyfikacji Wizualnej Twojej marki, w której te informacje powinny być szczegółowo opisane. Jeśli ją posiadasz to dobrze. Jest to bardzo pomocne narzędzie usprawniające pracę. W końcu nie warto zmieniać ad hoc koncepcji jaka towarzyszyła budowaniu identyfikacji i spójności brandu. Dobór barw powinien być również dostosowany do grupy docelowej do jakiej chcesz trafić. Poniżej znajdziesz listę skojarzeń z podstawową paletą barw. Żółty. Z badań wynika, że skorelowane jest z nim ciepło, pogoda ducha, radość i  optymizm, ale i ostrożność czy ostrzeżenie. Jednocześnie wpływa pozytywnie na zapamiętywanie. Właśnie do radości i pozytywnego nastawienia nawiązuje logo McDonalda. InPost z kolei stawia na podkreślenie za pomocą barwy firmy przyjaznej klientowi. Stosowanie żółtego zalecane jest dla firm, dla których liczy się szybkość podejmowanych decyzji konsumenckich, jak chociażby biur podróży czy przemysłu. Należy przy tym pamiętać, by z nim nie przesadzać, bo barwa ta podana w dużych ilościach działa drażniąco na oczy. Pomarańczowy jako barwa pośrednia między żółtym a czerwonym stanowi mieszankę odczuć obydwu wariantów. Jest blisko związany z radością, aktywnością i energią, ale także zachodem słońca i - przez powiązanie z owocem - działa pobudzająco na apetyt. Jednocześnie jest barwą słabszą w odbiorze niż czerwień, przez co niekiedy odbieraną pozytywniej. Spójrz chociażby na Fantę, która idealnie koreluje barwę pomarańczową z młodością i radością. Niejednokrotnie kolor pomarańczowy stosuje się w alertach i informacjach na stronach internetowych. Zalecany jest dla firm z młodą grupą docelową i takich, których celem jest epatowanie radością i entuzjazmem. Różowy to barwa energetyczna. Bledsze odcienie kojarzone są z troską, sentymentem i są dziewczęce. Jest chętnie wykorzystywana przez marki dla dzieci i nastolatek. Czerwony ze względu na swoje właściwości fizyczne jest barwą najsilniej pobudzającą. Kojarzona z ciepłem, wręcz upałem, ale i miłością, namiętnością i pożądaniem. Bardzo silnie związana także z energią, ogniem i dynamiką. Jednocześnie oznacza niebezpieczeństwo i gwałtowność. Spójrz jak silnie oddziałuje czerwień Coca-Coli na odbiorców, łącząc barwę z właściwościami napoju. W kreacjach reklamowych często wykorzystuje się czerwień przy wezwaniach do działania - w przyciskach, informacjach o rabatach i ofertach promocyjnych, wszelkich komunikatach, które od razu powinny przykuć uwagę odbiorcy. Zielony. Barwa kojarzona przede wszystkim z naturą, a przez to też ekologią, czystością oraz spokojem. Wiązana jest także z pieniądzem (przez barwę amerykańskiego dolara), chorobą, i winą. Często jest stosowana, by podkreślić sukces, zaufanie czy akceptację. Zalecana szczególnie dla marek z branży eko i zdrowia. Niebieski to barwa odnosząca się do nieba, wody i natury, a jednocześnie do chłodu (w tym chłodnej kalkulacji), lodu i smutku. Przez swój neutralny charakter niebieski współgra też z wieloma innymi barwami. Kolor ten zastosowany w tekście często oznacza linkowanie do innej strony. Niebieski często jest wykorzystywany w branżach finansowych i ubezpieczeniowych oraz biznesie i technologii, ponieważ podkreśla profesjonalizm, ale i wzbudza zaufanie. Stosowany jest także w celach informacyjnych - co ma swoje podstawy w wykorzystaniu barwy niebieskiej w komunikacji drogowej. Chętnie występuje również w social media. Fioletowy. Barwa kojarzona głównie z religią. Nawiązuje do tradycyjnych szat liturgicznych, przez co kojarzy się z godnością i mistycyzmem. Dawniej pozyskanie barwy fioletowej stanowiło niezwykle kosztowny proces, dlatego barwa ta kojarzona jest również ze szlachetnością i luksusem. Jednocześnie może odnosić się do magii, mroku i głębokiego smutku. Barwa purpury często wykorzystywana jest w branży kreatywnej, co wynika z mocno inspirujących powiązań skojarzeniowych. W ostatnim czasie fiolet mocno eksponowany był w komunikacji marketingowej Festiwalu Popkultury Confiction 2019 w Krakowie. Brązowy to barwa, która nie wywołuje emocji, przez co często stosowana jest jedynie jako uzupełnienie, a nie główny motyw kolorystyczny. Oczywiście najczęściej stosuje się ją w komunikacji czekolad, kaw i produktów czekoladopodobnych. Przez takie powiązania kojarzy się smacznie, poniekąd rodzinnie i rozluźniająco, jednak to nie jedyne skojarzenia jakie budzi. Przez swoją bliską relację z naturą wskazuje na bezpieczeństwo i stabilizację. Takim przypadkiem jest identyfikacja firmy kurierskiej UPS. Brąz stosowana jest również w komunikacji produktów organicznych, naturalnych oraz tych elitarnych, z “wyższej” półki. Czerń. Barwa neutralna znaczeniowo, przez co szeroko stosowana. Służy podkreśleniu wysokiej jakości, standardu i elegancji. Jednocześnie kojarzona jest ze śmiercią - żałobą, pogrzebem, depresją i smutkiem. Jeśli chcesz ją zastosować powinieneś mocno zastanowić się nad grupą docelową do jakiej chcesz trafić. Epatowanie elegancją może odstraszyć potencjalnych klientów, którzy mogą uznać, że nie stać ich na luksus jaki oferujesz. Jest na to jednak metoda - przełamanie czerni drugą barwą lub lżejszym elementem np. grafiką czy typografią. Dlaczego? Czerń podkreśla dynamizm barwy towarzyszącej, mocno zwracając na nią uwagę, sama bowiem pasuje do każdej innej barwy. Tu zwrócimy Ci jednak uwagę na ostrożne połączenie czarnego i bieli, szczególnie jeśli białe miałyby być tylko drobne elementy przypominające ornamenty. Takie połączenie zazwyczaj kojarzy się z klepsydrami i identyfikacją zakładów pogrzebowych. Czarny wykorzystywany jest przez marki z sektora premium, zakłady pogrzebowe i firmy, chcące podkreślić dynamikę i luksus. Biel. Barwa powstała na skutek połączenia wszystkich barw. W przestrzeni RGB przyjmuje wartości 255, 255, 255, a w CMYK-u same 0. Biały w kulturze europejskiej kojarzony jest z niewinnością, czystością i uczciwością oraz zimą. Jednocześnie jest to barwa podkreślająca elegancję i profesjonalizm - co w designie swoich produktów mocno propagował Apple. Połączenia bieli i czerni to najbardziej klasyczne i luksusowe połączenie barw. Zaznaczę, że istotną różnicą jest odbiór bieli w kulturze azjatyckiej, ponieważ w niej barwa ta towarzyszy żałobie, śmierci i pogrzebom. Biel w europejskiej kulturze doskonale sprawdzi się do podkreślenia wysokiej jakości produktów, neutralnych lub czystych. Często jest wybierana przez marki z branży medycznej i kosmetycznej, a także technologie m.in. stawiające na prostotę i minimalizm. Jednocześnie jeśli zastosujesz ją jako tło kreacji powiększy to optycznie jej przestrzeń. Jeśli zamierzasz robić zdjęcia modeli, warto wziąć ją pod uwagę - sugeruje niewinność i nie podkreśla seksualności modeli i modelek, co z sukcesem wykorzystuje marka Dove. Pamiętaj jednak o powiązaniach bieli i czerni z rasizmem i stosuj nawiązania do tych barw z wyczuciem. Szary to barwa zupełnie neutralna, nie kojarzona z niczym szczególnym. Jednocześnie można ją zastosować do mocnego podkreślenia elegancji albo w sytuacji, gdy chcemy wykorzystać drugą barwę i wybić ją jako tą ważniejszą.

Łączenie kolorów

No dobrze, ale jak te kolory połączyć w harmonijną całość? Z rozsądkiem. Przede wszystkim grafiki muszą być czytelne, a to oznacza, że powinien pojawić się między poszczególnymi barwami odpowiedni kontrast - białe litery tekstu nie powinny zlewać się z jasnym tłem albo elementami grafiki uzupełniającej kreację. Jednocześnie pamiętaj, że ludzkie oko lubi kontrast, ale w granicach normy - intensywnie jaskrawe kolory w niewłaściwym połączeniu ze sobą są sztampowe, powodują dyskomfort odbiorcy i jego rozdrażnienie, a nie to chcesz osiągnąć, prawda? Mała sugestia - najlepiej umieść tekst na jednolitym tle, bez dodatkowych tekstur i cieni. A przy okazji, co do cieni w typografii - już dawno przestało się je praktykować, więc lepiej się na nie nie skuś. No i pamiętaj, że barwy w połączeniu ze sobą mogą wyglądać zupełnie inaczej niż stosowane oddzielnie, o czym wspomnieliśmy już pisząc o białym kwadracie na czarnym i szarym tle. Spójrz na przykład reklamy z tłem zmniejszającym czytelność komunikatu:

Zasada 80-20 i 60-30-10

W grafice często przyjmuje się bezpieczne reguły stosowania kolorystyki: 80-20 oraz 60-30-10. Co to oznacza? Pierwsza reguła odwołuje się do stosowania dwóch barw. Barwa dominująca stanowi 80% kreacji, a barwa wyróżniająca, często mocno kontrastowa, 20%. Popularniejszą metodą jest druga reguła, gdzie 60% to nasza barwa dominująca, 30% to druga barwa przyjęta jako kolor dopełniający kreacji, a 10% stanowi barwa kontrastowa dla przycisków, haseł i innych elementów jakie chcesz wyróżnić.

Programy dobierające paletę barwną

Jeśli nie czujesz się pewnie w doborze odpowiedniej kolorystyki z pomocą przyjdą Ci różne aplikacje i programy dobierające palety kolorystyczne, istnieją również gotowe zestawy tzw. moodboardów dostępne w Sieci. Warto z nich skorzystać, by mieć pewność właściwego operowania barwą. Dobór kolorów jest trudną sztuką do nauki dla niejednego projektanta i grafika. Przykładowymi programami są chociażby:

• Adobe Color CC - służy tworzeniu zestawów kolorystycznych, przeglądaniu dostępnych w bazie propozycji i pobieraniu gotowców.
• Paletton - narzędzie doboru kolorystyki funkcjonujące od 2002 roku.
• Colordot - strona umożliwiająca Ci wybór odpowiedniego odcienia za pomocą ruchu myszki. Podaje wartości HEX (#...) i pozwala wybrać wiele barw jednocześnie. Paski odcieni pokazują jak wybrane barwy ze sobą współgrają.
• Pinterest - posiada bardzo liczne tablice z gotowymi zestawami barwnymi i moodboardami.

[caption id="attachment_16826" align="aligncenter" width="750"] źródło: Pinterest[/caption]

Kultura a odbiór barwy

Bardzo istotną kwestią jest również kulturowe postrzeganie barw, czyli odmienne postrzeganie kolorów wynikające z kultury w jakiej wychował się i dorastał odbiorca przekazu. Poniżej podam Ci 3 barwy dla przykładu, ale wiedz, że jest ich więcej. Kolor biały stanowi w krajach europejskich symbol niewinności, czystości i elegancji, co wynika z dominującej roli religii chrześcijańskiej na tych terenach. Wschodnia kultura kojarzy go ze śmiercią i żałobą, a w Japonii dodatkowo z naiwnością i młodością. Inną kontrowersyjną barwą na rynkach zagranicznych jest klasyczna czerń. W Europie kojarzona zarówno ze śmiercią, jak i elegancją i szykiem, natomiast na rynku chińskim z radością małych chłopców. Z kolei wśród Indian i Egipcjan z ziemią, a co za tym idzie - z urodzajem. Japończycy utożsamiają ją - w opozycji do bieli - z dojrzałością i szlachetnością. Czerwień przechodzi od miłości do nienawiści a nawet żałoby. Nasza kultura utożsamia go z miłością i ekscytacją, ale również - w odpowiednim kontekście - z powstaniem, rewolucją (np. logotyp “Solidarności”), walką oraz komunizmem. Z kolei południowa Afryka utożsamia go z przelewem krwi, a przez to z żałobą i złością. Z żałobą kojarzą ją również Japończycy.

Odbiór barw przez osoby z dysfunkcją wzroku

Warto również podkreślić, że wielu z odbiorców przekazów reklamowych cierpi na różne schorzenia wzroku, jak np. daltonizm, które ograniczają odczyt niektórych barw. Sztandarowym przykładem jest właściciel Facebooka - Mark Zuckerberg, który stworzył portal w barwach, które sam odbiera poprawnie ze swoją dysfunkcją.

Odbiór barw w zależności od płci i wieku

Inną kwestią jest dobór kolorów do odbiorców. Kobiety i mężczyźni inaczej postrzegają zestawienia barwne. Mężczyźni dużo częściej wolą soczyste, wyraziste barwy, a kobiety bardziej podatne są na delikatne i pastelowe odcienie. Dodatkowym utrudnieniem jest wiek odbiorców. Osoby starsze preferują stonowane barwy, raczej z zimnej części koła barw, natomiast młodzi ludzie stronę ciepłą.

Przycisk wezwania do działania

Jak wiesz w kreacjach GDN wykorzystuje się wezwania do działania. Warto, by przyciski były w wyrazistej barwie, która silnie pobudza i działa zachęcająco. Unikaj w nich pastelowych barw, chyba że wyraziste nie współgrałyby z identyfikacją Twojej firmy. Spójrz chociażby na naszą reklamę zamieszczoną poniżej.

Przestrzenie barwne

Omawiając kwestie koloru należy również rozwiać wątpliwości odnośnie przestrzeni barwnych - RGB, CMYK oraz Pantone. Jeśli tworzysz reklamy do Internetu, np. na potrzeby GDN w Google Ads to jedyne co musisz opanować to przestrzeń RGB, czyli przestrzeń barwną stosowaną na potrzeby wyświetlania na ekranach. Złożona jest z 3 barw - czerwonej (Red), zielonej (Green) i Niebieskiej (Blue). Niestety, jeśli projekt cyfrowy chciałbyś wydrukować, nie uzyskasz identycznych kolorów z tymi widocznymi na ekranie. Co istotne, każdy ekran wyświetla barwy inaczej. Warto wziąć pod uwagę tworząc materiały graficzne do Internetu. CMYK to kolory wykorzystywane w technikach drukarskich. Kolor uzyskuje się poprzez nałożenie warstwowo 4 transparentnych farb drukarskich w różnej proporcji. farbami tymi są cyan, magenta, yellow i key colour (zwykle czarny). Z kolei Pantone to specjalna paleta barw (drukarskich) stworzona przez firmę o tej samej nazwie z Ameryki. Niebywałą zaletą Pantone jest uzyskanie identycznej kolorystyki na każdym drukowanym medium, co nie jest możliwe w przypadku CMYK’a. Drugą kwestią jest to, że w przeciwieństwie do poprzednika farba nakładana jest jako jeden kolor, przez co przy druku nie wystąpią ewentualne przesunięcia kolorystyczne np. na wąskich elementach. Pantone to też jedyna paleta zawierająca barwy metaliczne, złocenia, uszlachetnienia itp. Na tym zakończę omawianie kolorów w reklamie. Mam nadzieję, że informacje okażą Ci się przydatne. Zatem czas na dalsze elementy grafik. Gotowi? Zaczynajmy. Pusta przestrzeń często postrzegana jest przez osoby spoza branży kreatywnej jako marnotrawstwo miejsca. Nic bardziej mylnego. Tzw. whitespace jest niezwykle wartościową częścią Twojej kreacji. Zacznijmy jednak od tego czym jest pusta przestrzeń w świecie grafiki. Wywodząca się z malarstwa pusta przestrzeń to przestrzeń negatywna, czyli miejsce oddechu między różnymi elementami kreacji, stanowiące fundament jej kompozycji. Dlaczego to takie istotne? Z kilku powodów:

• wpływa korzystnie na UX (User Experience),
• zmniejsza liczbę rozpraszaczy uwagi na grafice,
• rozdziela niepowiązane ze sobą elementy,
• wskazuje odbiorcy komunikatu, która część kreacji powinna przykuć jego uwagę,
• uwydatnia przyciski z wezwaniem do działania,
• podnosi estetykę,
• wpisuje się w modny obecnie minimalizm.

Specjalnie stosujemy tu zwrot “pusta przestrzeń” a nie “biała przestrzeń”, by nie zmyliła Cię nazwa. Whitespace jest pusta, ale niekoniecznie biała - może być w różnych kolorach, a nawet wzorach, może bazować na zdjęciu czy grafice. Za przykład niech posłuży tu kreacja z Internetu:

Gdzie ją zastosować?

Na białą przestrzeń składają się marginesy, obszary wokół tekstów i grafik, a nawet odstępy międzyliterowe i między wersami. Dobrze, jeśli są one skorelowane z resztą komunikacji Twojej marki, w tym z wyglądem strony internetowej. Przedstawię Ci kilka najważniejszych porad w tym temacie:

1. Stosuj odpowiednie odległości między kolejnymi linijkami tekstu, tak by był on czytelny nawet dla tych, którzy pobieżnie “rzucą na niego okiem”.
2. Wyróżnij nią najważniejsze elementy grafiki. Modny obecnie minimalizm sprawdzi się tu doskonale. Zwyczajnie zachowaj odpowiednio dużą przestrzeń wokół najważniejszych punktów Twojego przekazu. Spójrz jak robi to Apple w swoich kreacjach. [caption id="attachment_16842" align="aligncenter" width="750"] źródło: http://overtbuzz.com/534/top-10-flop-gadgets-of-this-year[/caption]
3. Pamiętaj o zasadzie bliskości - elementy zlokalizowane blisko siebie odbieramy automatycznie jako grupę, którą powinniśmy traktować łącznie. W powyższym przykładzie tekst stanowi jeden blok czytany łącznie, a grafika to osobna “grupa”.

Kadrowanie przez dodawanie i odejmowanie

Kadrować zdjęcie można na dwa różne sposoby. Obydwa z nich są polecane i praktykowane, dlatego wybierz opcję najlepszą dla siebie. Pierwsza z nich, odrobinę łatwiejsza od następnej, polega na wybraniu elementu najważniejszego, na podstawie którego oprzesz całą kompozycję kadru. Umieszczasz tylko ten obiekt w kadrze, a następnie oddalasz widok dodając kolejne elementy. Odpowiedni kadr uzyskasz wtedy, gdy okaże się, że kolejne dodawane obszary psują odbiór zdjęcia. Druga metoda działa na odwrót. Zaczynasz od szerokiego ujęcia w kadrze i zawężasz je stopniowo. Optymalny kadr uzyskasz, gdy każde kolejne przybliżenie obrazu, a zatem odjęcie potencjalnie zbędnych elementów, psuje jego kompozycję.

Zdjęcia wizerunkowe z “lotu ptaka”

W ostatnim czasie modne stały się zdjęcia “z lotu ptaka”. Znajdziesz ich pełno na profilach life-stylowych, żywieniowych czy fotograficznych na Instagramie i Facebooku. Jest to tak zwane Flat Lay. Jak je uzyskać, by było artystyczne, zachęcające a nie zabałaganione? Spieszymy z odpowiedzią. Pierwszym krokiem jest zebranie przedmiotów jakie chcesz mieć na fotografii. Drugim - ułożenie ich w odpowiedni sposób. Tak przygotowaną scenerię fotografujemy z góry. Flat Lay to zabawa przede wszystkim teksturami - materiałami, wzorami, fakturami. Obiekty jakie chcesz umieścić na zdjęciu możesz rozłożyć albo w “twórczym nieładzie”, albo symetrycznie. Pierwsza opcja zakłada scenerię, która będzie wychodziła poza krawędzie zdjęcia, a w konsekwencji niektóre z przedmiotów będą ucięte i mniej widoczne. Jest to motyw często praktykowany w fotografii lifestylowej i kulinarnej. Druga sytuacja to takie skomponowanie obiektów, by jeden względem drugiego był ułożony symetrycznie, równolegle czy prostopadle. Ta metoda prezentuje się elegancko w przypadku designerskich produktów, przedmiotów luksusowych, na zdjęciach, gdzie ważniejsze jest skupienie uwagi odbiorcy na konkretnych przedmiotach, zamiast uzyskanie wrażenia przytulności (jak w przypadku pierwszej metody). Fotografii “z lotu ptaka” towarzyszą te same reguły co wcześniej - umiar w wyborze kolorystyki, dobór barw wywołujących pożądane wrażenie u odbiorcy, stosowanie odpowiedniego kontrastu i starannie wybranego fontu. Warto też ustawić reklamowany produkt w miejscu, gdzie powędruje wzrok odbiorcy w pierwszej kolejności - w środku zdjęcia lub w punktach omówionych w części o kompozycji obrazu.

Najważniejszy element zdjęcia

Miej na uwadze, że to, co jest najjaśniejsze, najbardziej wyraźne lub o największym kontraście albo zwyczajnie większe od reszty zwykle jest tym elementem, który pierwszy zwraca uwagę odbiorcy. Przedstawimy Ci teraz zasady z pogranicza rysunku, malarstwa i fotografii. Kompozycja to nic innego jak takie ułożenie elementów, by oddziaływały na siebie w sposób zamierzony przez ich twórcę. Jeśli nie wiesz jaką kompozycję chcesz uzyskać pomyśl co rzeczywiście chcesz pokazać i pokaż tylko to, bez zbędnych elementów. Jeśli nie masz dostępu do zdjęć doświadczonego fotografa i sam zabierasz się za kompozycję to pamiętaj o zasadzie minimalizmu. Znacznie trudniej zepsuć zdjęcie na którym jest mniej, niż więcej elementów. Usuń zbędne elementy z kadru. Kluczową zaletą dobrej kompozycji jest harmonia przekazu. Obraz nie przytłacza, nie rozprasza uwagi odbiorcy, a wiedzie go od najważniejszego elementu kreacji do najmniej istotnego. Warto zatem znać kilka kluczowych reguł rządzących światem fotografii i obrazu.

Zasada trójpodziału

Stosowanie tej zasady jest najpopularniejszą i najprostszą metodą konstrukcji obrazu. Widziany obraz podziel prostymi liniami na 9 identycznej wielkości części. Jak? Poprowadź dwie linie od góry do dołu obrazu i dwie linie od lewej do prawej. W miejscach, gdzie linie schodzą się ze sobą znajdują się mocne punkty kompozycji. Dobrze jest, gdy najważniejsze elementy znajdują się w ich okolicy.

Boska proporcja

Złota proporcja, bo tak jest inaczej nazywana, to rozwiązanie oparte na matematyce. W dodatku, jest to reguła powszechnie występująca w naturze - chociażby w skręcie wzoru muszli ślimaka. Stanowi równanie . Co to oznacza? Należy tak podzielić dłuższy bok obrazu, by suma powstałych odcinków podzielona przez dłuższy z nich była identyczna ze stosunkiem tego dłuższego fragmentu do krótszego. Wynikiem tego równania jest grecka liczba φ (czyt. fi) w przybliżeniu równa 1,62. Brzmi niezrozumiale? Pewnie tak, ale nie martw się, postęp technologiczny działa tu na korzyść twórców i artystów. Programy czy sprzęty posiadają (najczęściej) możliwość ustawienia linii pomocniczych w ramach złotej proporcji.

Złota spirala

Reguła, która bazuje na powyższej zasadzie. Prostokąt ze złotego podziału dzielimy tak, by otrzymać duży kwadrat i pionowy prostokąt. Powstały mniejszy prostokąt dzielimy na kolejne części, wpisując w te części ćwiartki okręgów. Teraz, prowadząc linię przez duży kwadrat, następnie przez prostokąt z podziałką otrzymamy spiralę. Jeśli korzystasz z programu Adobe Photoshop to wizualizację wszystkich omówionych zasad znajdziesz w opcjach narzędzia przycinania.

Ramka otoczenia

Wiele obiektów można sfotografować w ramce występującej w otoczeniu - w otwartym oknie, drzwiach, framugach, kolumnach, łukach budowli, przestrzeni między gałęziami. Szukaj, znajduj, twórz.

Linie otoczenia

Linie występujące na zdjęciu czy obranie to naturalne drogowskazy dla naszego wzroku. Nieświadomie przemieszczamy naszą uwagę wzdłuż nich, dlatego dobrze je wykorzystać. Czym są takie linie? Promienie słońca wpadające przez witraże, smugi, dym, ślady na piasku, linie mostu, kanty biurek, pasy, krawędzie przedmiotów itd. W fotografii produktowej (tzw. packshoty), jak i wizerunkowej (z modelami, produktów w użyciu, kreatywnej) chodzi o dwie rzeczy - posiadany sprzęt i znajomość reguł rządzących światem zdjęć. Jeśli chodzi o urządzenia to przede wszystkim muszą one wykonywać dobrej jakości zdjęcia. Dobrze też, jeśli do aparatu używasz kilku różnych dedykowanych obiektywów, bo wówczas kadrowanie i inne czynniki wpływające na końcowy efekt zdjęcia nie będą stanowić problemu. Z kolei znajomość reguł to kluczowa sprawa, by zdjęcia wychodziły dobre albo przynajmniej poprawne technicznie. To one, tak jak w malarstwie, decydują o ostatecznym odbiorze obrazu, dlatego warto byś pokrótce się z nimi zapoznać. Zaczynamy?

Operowanie światłem

Światło to jeden z najważniejszych elementów dobrej fotografii. Możesz tutaj skorzystać ze światła dziennego lub lamp generujących białe światło. Jeśli robisz zdjęcie pomieszczenia pamiętaj o oknach - musisz tak ustawić opcje aparatu, by lekko niedoświetlić wnętrze i delikatnie naświetlić okno. W innym przypadku albo wyjdzie Ci odpowiednio oświetlony środek i “przepalone” okno, albo ciemne pomieszczenie i poprawnie oświetlone okno. Umiar zawsze jest w cenie, a braki w balansie bieli skorygujesz w programie do obróbki graficznej. Innym rozwiązaniem jest posłużenie się opcją zdjęć HDR. Wykonaj kilka zdjęć z różnymi ustawieniami naświetlenia - rozjaśnionym pomieszczeniem i rozjaśnionym oknem, a potem nałóż je na siebie w programie graficznym. Technika ta sprawdzi się również przy zdjęciach widokowych, gdy światło słoneczne pada bezpośrednio w obiektyw aparatu. Najlepsze ISO (tj. wskaźnik decydujący o wrażliwości matrycy aparatu na światło) to dolne granice jego wartości. Ustaw je między 100-200, ponieważ w ten sposób uzyskasz pozbawione szumów (tj. widocznych pikseli) zdjęcie. Triki Delante Dodamy tutaj od siebie dwa małe triki. Pracując ze światłem dziennym, w domowych warunkach, warto je ujednolicić rozpraszając promienie wpadające przez okno np. jednolitym przezroczystym materiałem firanek lub folią przyklejoną na okna. Jeśli z kolei potrzebujesz białego światła, a nie posiadasz profesjonalnych lamp, możesz podziałać “domowymi sposobami”. Pierwszy z nich to zakupienie zwykłej lampy podwieszanej do szafki (najczęściej nad biurka) z białym światłem. Ustawiasz aparat na długi czas naświetlania, a następnie robiąc zdjęcie łukowatym ruchem przesuwasz lampą nad fotografowanym obiektem, by uzyskać jego jednolite oświetlenie. Drugim sposobem jest korzystanie z własnoręcznie zrobionych tub - na latarkę z białym światłem nakładasz tubę wykonaną chociażby z plastikowej butelki pomalowanej na czarno (kolor absorbujący światło) i powleczonej jednolitym białym cieniutkim (przezroczystym) materiałem.

Statyw

Statyw niebywale ułatwi Ci pracę ze zdjęciami. Jeśli korzystasz z aparatu bez niego, sporo tracisz. Statyw sprawia, że aparat stoi nieruchomo, a co za tym idzie nie rozmazuje w żaden sposób obrazu. Jeśli nie masz statywu, staraj się jak najmniej dotykać aparatu podczas robienia zdjęcia. Najlepiej nie dotykaj nawet przycisku spustu, a posłuż się zewnętrznym pilotem. Porady Delante Nie masz statywu? Stań z aparatem pewnie w niewielkim rozkroku, tak by Twoje łokcie mocno zapierały się o biodra. W ten sposób ustabilizujesz swoją postawę i zmniejszysz ruchy ciała. Dodatkowo, na czas robienia zdjęcia wstrzymaj oddech. Drugą metodą jest ustawienie aparatu na nieruchomej powierzchni - blacie, półce, konstrukcji z książek itd. Korzystając z tej metody ustaw samowyzwalacz, by nie poruszyć aparatu podczas naciskania migawki. Jeśli robisz zdjęcie ciemnej scenerii, musisz ustawić dłuższy czas naświetlania (by wystarczająca ilość światła wpadła do matrycy). Wspomóż się też statywem - jakość obrazu jest wówczas bardzo wrażliwa na najmniejszy ruch. Im dłuższy ustawisz czas naświetlania tym jaśniejsze zdjęcie uzyskasz. Jeśli z kolei fotografujesz obiekty będące w ruchu ustaw czas naświetlania na krótszy.

Perspektywa i linie na zdjęciu

Dobrą praktyką jest fotografowanie w taki sposób, by zdjęcie biegło wzdłuż linii obecnych w kadrze - albo w pionie, albo w poziomie. Najbezpieczniejszą opcją jest fotografowanie z poziomu linii wzroku, by linie nie biegły ku dołowi lub ku górze. Nie zmienia to faktu, że warto eksperymentować, by uzyskać ciekawszy efekt. Pamiętaj jednak, że perspektywa wpływa na odbiór obiektu:

• przedmiot fotografowany z dołu wydaje się wyższy niż w rzeczywistości,
• obiekt uchwycony z góry sprawia wrażenie niższego,
• to co znajduje się bliżej obiektywu aparatu wydaje się większe, niż to co w tle.

Warto wesprzeć się programami graficznymi, które skorygują nam ewentualne odchylenia linii. Weź również pod uwagę to, że każdy obiektyw zniekształca zdjęcie, zwłaszcza blisko krawędzi kadru. Dzieje się tak przez ogniskową.

Przygotowanie scenerii

Wbrew pozorom przygotowanie (lub chociażby wybranie) scenerii zdjęcia jest trudną sztuką. Warto ją jednak opanować, by nie zaburzyć komunikatu, który stoi za zdjęciem. W końcu fotografia ma być uzupełnieniem naszej reklamy, a nie osobnym bytem. Robiąc zdjęcia:

1. Umieść w kadrze tylko te obiekty, które są w nim niezbędne,
2. Zadbaj o porządek - niech widoczne powierzchnie będą czyste (meble, szyby itd.)
3. Wystylizuj kadr - umieść w nim przedmioty w odpowiedniej kolorystyce i ułożeniu. Nawet bałagan na dobrych zdjęciach jest zwykle pieczołowicie przygotowywany.
4. Udekoruj scenerię pomieszczenia i flat lay - kwiaty w wazonie, światełka, świeczki, cotton ballsy i inne akcesoria dodają osobowości. Warto też dodać kubek, notatnik i starannie ułożyć przybory na biurku czy stole.

Format zdjęcia

Jeśli Twój sprzęt fotograficzny daje możliwość zapisywania plików w formacie RAW skorzystaj z tego. Są to pliki zapewniające wysoką jakość obrazu i duże możliwości edytorskie. Dodatkowo, praktycznie bezinwazyjnie można dokonać na nich zmiany balansu bieli i łatwiej oswoić występujące na fotografii cienie i światła. Jednocześnie należy pamiętać, że RAW-y zajmują bardzo dużo miejsca na dysku, a ich podgląd nie jest możliwy bez dedykowanego oprogramowania (np. Adobe Lightroom). Znasz już podstawowe zasady rządzące światem kreatywnym. Czas wprowadzić je w życie. Spieszę z podsumowaniem najważniejszych kroków, by ułatwić Ci ten proces. Pamiętaj przy tym, że są to wytyczne techniczne, a co za tym idzie cały przekaz emocjonalny kreacji spoczywa w Twoich rękach. Dobrą praktyką jest testowanie kreacji - każda grupa odbiorców jest inna, dlatego powinieneś sprawdzić co jest najbardziej skuteczne w Twoim przypadku. A zatem zaczynajmy.

Rozmiar grafik

Po pierwsze i najważniejsze: poznaj dopuszczalny rozmiar grafik. To krok niezwykle istotny, a z praktyki wiemy, że często bagatelizowany. Uwierz, dużo łatwiej jest tworzyć grafiki od razu dedykowane pod konkretne wymiary niż kompresować później za duże kreacje. Dlaczego? Kompresja obrazu psuje jego jakość, często bardzo znacząco i nie sposób jej odbudować nie poświęcając na to dużo czasu. Dlatego pamiętaj o wymiarach. Wszystkie dostępne formaty reklam znajdziesz w tym artykule lub w centrum pomocy Google Ads.

Odpowiednia treść

Tekst reklamy musi mieć charakter perswazyjno-informacyjny. Co to oznacza?

• powinien informować odbiorcę czego dotyczy reklama (konkretnej promocji, sezonowej okazji itd.)
• powinien zachęcać do kliknięcia w baner i przejście na podlinkowany landing page - w czym przydatne są buttony z wezwaniem do działania
• powinien skupiać się na wartości dodanej - tym co zyska klient korzystając z oferty. W myśl złotej zasady “klient nie chce kupić młotka, on chce wbić gwóźdź”.

Pamiętaj, tekst powinien być krótki a treściwy. Nie rozpisuj się, w końcu banery internetowe nie są dużych rozmiarów, a Ty - z psychologicznego punktu widzenia - masz tylko kilka sekund na zwrócenie uwagi i zachęcenie odbiorcy. Dobrą praktyką jest stosowanie zasady 20%, czyli przeznaczanie wyłącznie ⅕ powierzchni reklamy na tekst. Inną praktyką jest ryzykowne, choć niekiedy skuteczne wyjście naprzeciw wymagającego odbiorcy:

• stosuj zaskoczenie - ciekawe skojarzenia, niecodzienne porównania, podkreślanie wartości w niebezpośredniej relacji z branżą (np. marka kosmetyków DOVE podkreśla wewnętrzne piękno i pewność siebie),

• baw się słowem - ryzykowna, choć niekiedy skuteczna metoda zwrócenia uwagi. Przeinaczaj znane przysłowia, utarte zwroty, znane cytaty. Na festiwalu Cannes Lions 2017 uznano za skuteczną reklamę Heineken - “To beer or not to beer”
• eksperymentuj humorem, ironią, żartem. Przykład z Netflixa:

• odwołuj się do przyjemności - ciepła rodzinnego domu, zapachu ciasta, czasu wolnego itd.
• wykorzystaj niestandardowe przedstawienie produktu, nawet kontrowersyjne. W tym punkcie często stawia się również na pokazywanie wad, tak, by podkreślić autentyczność.

A w tym wszystkim pamiętaj, by przekaz reklamy był spójny z marką. Nie ma potrzeby stosowania kontrowersji w marce miłej i luksusowej. Pamiętaj też o jasnym przekazie wezwania do działania. Tu też się nie rozpisuj. Twórz krótkie hasła, które jasno informują co odbiorca znajdzie na stronie, na którą zostanie przekierowany. Zwroty typu “Pobierz darmowy e-book”, “Kup teraz”, “Odbierz rabat 15%” powinny być odpowiednie.

Grafika czy zdjęcie?

Jeśli chodzi o zdjęcia - są znacznie popularniejszym wyborem promowania marek niż grafiki. Wynika to z faktu, że do stworzenia grafik potrzeba zwykle nieszablonowego pomysłu i umiejętności, by wywołały określone emocje u odbiorcy. Ze zdjęciami jest o tyle wygodniej, że - jeśli nie tworzysz własnych - możesz korzystać z całkiem atrakcyjnych fotografii pobranych ze stocków - znajdziesz tam zarówno darmowe, jak i płatne propozycje. Oczywiście z respektowaniem praw autorskich ich twórców. Inną kwestią jest to, co chcesz osiągnąć reklamą. Kampanie sprzedażowe powinny mocno eksponować produkt, obrazować jego zalety i to w jaki sposób można go wykorzystać. Z kolei kampanie wizerunkowe mają za zadanie inspirowanie oraz zwiększanie świadomości istnienia produktu czy usługi na rynku. Mają wywołać pewien ciąg skojarzeniowy, który sprawi, że odbiorca będzie kojarzył brand czy produkt z konkretną marką. Dobierz odpowiednio kolorystykę zdjęcia czy grafiki. Pamiętaj o złotych zasadach z powyższej części artykułu - o harmonii barw, ich oddziaływaniu na odbiorcę i równowadze - lepiej zastosować mniej, niż więcej kolorów. Nie zwracaj uwagi jaskrawymi migającymi banerami, a emocją idącą za kreacją.

Czytelność kreacji i fonty

Czytelność to jedna z najważniejszych zasad kreacji, bo to od niej zależą efekty jakie przyniesie. Dobra reklama posiada treść w dobrej konfiguracji fontu odpowiednio odseparowanego od grafiki. Co to oznacza? Po pierwsze, tekst jaki zamieszczasz niech będzie pisany maksymalnie 2 różnymi fontami (tj. czcionkami). Dobrze sprawdzają się tu połączenia dwóch rodzin fontów - szeryfowego (z kreseczkami na zakończeniach) i bezszeryfowego (bez kreseczek) albo dwóch bezszeryfowych. Raczej odradzam stosowanie wyłącznie szeryfowego pisma, ponieważ nie na każdym ekranie jest on czytelny i przyjemny dla oka. Po drugie, tekst powinien posiadać trochę wolnej przestrzeni wokół siebie, by nie kolidował z zastosowaną grafiką. Tekst zapisany na szczegółowej grafice lub wieloelementowym zdjęciu może być nieczytelny. Jeśli chcesz zastosować taką grafikę dobrym patentem jest podłożenie pod treść jednokolorowego kwadratu, prostokąta czy koła, co odgrodzi zdjęcie od tekstu.

Kreowanie spójnego wizerunku

Twoje reklamy nie są osobnym bytem, a tworzą całość, która swój początek ma w strategii komunikacji marki. Co z tego wynika? To, że każdy element wykorzystany w kreacji powinien nasuwać odbiorcy skojarzenie z brandem. Najlepiej, gdy jest zbliżony wizualnie do Twoich ulotek, billboardów, grafik w social media, a nawet gdy nasuwa skojarzenia z wystrojem sklepu czy ubraniami pracowników. Najłatwiej to osiągnąć stosując fonty (tj. czcionki) zbieżne ze stroną internetową marki, wspólną kolorystykę czy sposób obrazowania produktu/usługi. W 2018 roku przeprowadzono badania Live Panel polskiego Internetu pod kątem unikania reklam widniejących na stronach internetowych. Ich wyniki pokazują, że odsetek użytkowników stosujących metody unikania reklam stale rośnie. Stanowi on 76% polskich Internautów, czyli o 4% więcej względem roku poprzedniego. Jednocześnie nasz rynek wciąż znajduje się w czołówce krajów stosujących oprogramowania typu Adblock - choć odsetek użytkowników nie uległ zmianie i wciąż wynosi 38%. Badani przyznają, że:

• pomijają reklamy, gdy jest taka możliwość,
• zmieniają ustawienia używanej przeglądarki
• decydują się na kupienie wersji premium użytkowanych aplikacji, które zwykle są pozbawione reklam

Wyniki dowodzą jednocześnie, że ponad połowa Internautów aktywnie poszukiwała by sposobu uniknięcia reklam, nawet gdyby Adblock przestał być dostępny na rynku. Co ciekawe, formaty wideo są bardziej tolerowane, niż klasyczne reklamy displayowe. Przyczyną takiego stanu jest przeładowanie stron banerami jakie nastąpiło w dobie rozkwitu Internetu oraz większa emocjonalność przekazu filmowego nad statycznym obrazem. Kolejnym zjawiskiem jakie powinieneś mieć na uwadze jest tzw. “ślepota banerowa”. Znajomość prawdopodobnej lokalizacji banerów na stronie internetowej sprawia, że nie zwracamy uwagi na te części witryn. Jest to powszechne zachowanie, dobrze zakorzenione u przeciętnego Internauty. Pomimo zjawiska ślepoty banerowej reklamy graficzne oddziałują na użytkownika a odpowiednio przygotowane kreacje zwiększają świadomość marki a tym samym realizują swój cel. Psychologia mówi nam dużo o zachowaniach konsumenckich. Przede wszystkim - kupujemy emocjami. To one wiodą prym w wyborze produktu i jego zakupie. Dopiero później, wraz z nabyciem dobra i zaspokojeniem chęci posiadania zaczynamy analizować zakup. O jakich emocjach mówimy? Każdych - i tych pozytywnych (co jest dość intuicyjne), ale i tych negatywnych. Te drugie jednak należy mieć w ścisłej kontroli, bo odpowiednio podane wywołują zainteresowanie, rozważanie, a w konsekwencji większe skupienie na komunikacie. Podane jednak w zbyt dużej dawce poważnie zaszkodzą. To, do jakich emocji się odwoływać zależy od Twojej grupy docelowej. Do młodych mam skieruj przyjemne i relaksujące reklamy, z kolei młodzież będzie bardziej podatna na kontrowersje i dwuznaczności. Oczywiście jest to duże uogólnienie - lepiej przeprowadź dokładną analizę swojej grupy docelowej, by znaleźć optymalne wyjście. Mózg ludzki lubi uproszczenia, dlatego warto w reklamach stosować popularną wśród marketerów zasadę KISS - Keep It Simple, Stupid. Co oznacza, że kreacje powinny posiadać prosty do zdekodowania przez mózg obraz oraz konkretne i zrozumiałe komunikaty. Wynika to z faktu, że przeciętny człowiek otoczony jest przez stale się powiększający szum informacyjny, przez co nie poświęca 100% swojej koncentracji pojedynczemu elementowi. Z psychologicznego punktu widzenia odbiór reklamy można podzielić na etapy. Pierwszym z nich jest postrzeganie, czyli odbiór bodźców dostarczanych przez reklamę - obrazu, dźwięku. Następnie reklama jest przetwarzana i kategoryzowana. Określamy co przedstawia na podstawie podobieństwa przedmiotu reklamy do innych produktów. To co spostrzeżemy zależy od naszych zmysłów, posiadanej wrażliwości oraz wiedzy ogólnej lub specjalistycznej. Z tego powodu kreacja powinna być tak zrobiona, by przynosiła ze sobą określoną wiedzę i emocjonalność. Na to jakie komunikaty i kreacje będą skuteczne wpływa znajomość grupy docelowej. Inaczej skomunikujemy się z osobami starszymi, a inaczej z młodymi odbiorcami wychowanymi w dobie Internetu. Osoby starsze zwykle są przywiązane do klasycznych form reklam i tradycyjnych wartości, dlatego warto je podkreślać w przekazie. Pokolenie seniorów to najmniejsza grupa użytkowników Internetu i niekoniecznie reklamy powinny mieć postać online. Z kolei Baby Boomers - stanowiący drugą ich odnogę - to osoby dorosłe, które polują na najkorzystniejsze oferty. Cechuje ich też duża lojalność do sprawdzonych marek. Nieco młodsze pokolenie X, czyli osoby urodzone w latach 60., 70, i 80. poprzedniego wieku są zwykle konsumentami podatnymi na promocje, kupony i wszelkiego typu rabaty. Chętnie korzystają z poczty elektronicznej oraz portali typu Facebook. Bywają zagubieni w świecie zmieniającej się technologii przez co na ich decyzje zakupowe w dużej mierze wpływają ich dzieci. Kolejnym pokoleniem jest Y - inaczej zwane Millenialsami. Są to osoby urodzone w latach 80. i do połowy lat 90. XX wieku. Znają możliwości Internetu i chętnie z nich korzystają angażując się w grupy społeczne, fora i media społecznościowe. Zależy im również na ekologii, pomocy społecznej i trosce o zwierzęta. Porad, inspiracji, rozrywki czy informacji szukają w Internecie. Przyczynia się to jednocześnie do większej znieczulicy na reklamę i ślepoty banerowej. Najlepiej sprawdzą się w ich przypadku kreacje oparte na wartościach i popularne w ostatnich latach storytellingi. Pokolenie Z to osoby urodzone w latach, gdy Internet stał się stałym elementem rzeczywistości. Niektóre źródła podają, że są to osoby urodzone po 1996 roku, inne, że po 2000. Internet stanowi główne medium ich działania, pracy, nauki i rozrywki. Mocno cenią indywidualizm, są uodpornieni na wykreowane postacie celebrytów. Najlepiej dotrzeć do nich autentycznością, indywidualną obsługą. Należy zwrócić uwagę na niecierpliwość, jaką charakteryzuje się ta grupa - wszystko, czego pragną powinno być zaspokojone od razu - czy to potrzeba posiadania produktu czy wiedzy. Uwagę Internauty możesz zwrócić w dwóch sytuacjach. Pierwsza z nich to moment, gdy odbiorca ma potrzebę nabycia konkretnego produktu, więc będzie wyczulony na reklamy i wszelkie informacje z nim związane. Druga opcja to dotarcie do odbiorcy z odpowiednią kreacją i wywołanie u niego potrzeby posiadania. By reklama przyniosła pożądany efekt nie może tylko przykuć uwagi, ale powinna również wzbudzić zaangażowanie odbiorcy, a więc zadziałać na niego emocjonalnie. Im bardziej niecodzienny, luksusowy produkt, tym większe zaangażowanie potrafi wzbudzić. Kolejnym punktem jest zapamiętanie komunikatu przez odbiorcę. Najłatwiej to osiągnąć przez powtarzanie komunikatu, jednak wiąże się to ze zwiększonymi kosztami na reklamę. Inną metodą jest humorystyczny komunikat, niecodzienna grafika czy chwytliwa melodia w kreacjach wideo. Banery Internetowe należy tworzyć rozważnie. Są to niewielkie elementy wyświetlane Internautom w małych rozdzielczościach, więc przede wszystkim powinny być czytelne i zrozumiałe w odbiorze. Staraj się nie przeładować ich treścią. Banery powinny mieć krótki a trafny przekaz oraz duży przycisk z wezwaniem do działania. Na wielkość buttonu zwróć szczególną uwagę przy projektowaniu grafik na urządzenia mobilne. Dlaczego? Klikamy na nie palcami różnej grubości, a nie niewielkim kursorem myszki. Jak w każdej branży, tak i w grafice internetowej występują trendy, nowości i mody. Wśród tegorocznych reklam dominują:

1. Naturalne fotografie - zdjęcia, które nie wyglądają jak z sesji zdjęciowych i wybiegów. Stawiają na codzienne ujęcia, jakie odbiorcy mogą zobaczyć na swoich zdjęciach z wakacji czy w galerii w swoim telefonie.
2. Ilustracje - grafiki zlecane profesjonalnym twórcom. Wzbudzają zaciekawienie, są nietuzinkowe, niecodzienne i zdecydowanie przykuwają uwagę na stronie internetowej.
3. Żywe kolory - mocne, ale smaczne połączenia kolorów w reklamie w postaci albo wyraźnego akcentu kolorystycznego (np. czarno-białe zdjęcie z żółtym akcentem lub połączenie w kreacji samych soczystych kolorów). To trudne zadanie, które radzimy zostawić profesjonalnym grafikom.
4. Asymetria - przełamywanie klasycznych kompozycji asymetrią kształtów, fontów i innych elementów.
5. Krótkie animacje - skomponowanie grafik w taki sposób, by zapętlone dawały wrażenie nieprzerwanego ruchu np. idącej na zakupy kobiety czy lecącego samolotu.
6. Eklektyzm. Łączenie z pozoru niepasujących do siebie stylów: fotografii, ilustracji, wzorów, faktur i kolorów itd. w jedną całość.
7. Gradienty. Przynajmniej od dwóch lat obserwujemy powrót gradientów na “salony” reklamy.
8. Grafika 3D i izometria. Generowanie grafik na powierzchni kwadratu w formie dających wrażenie małych miasteczek.
9. Rzeczywistość rozszerzona - kreacje wykorzystujące aparaty w telefonie, by oddziaływać na to, co widoczne jest w obiektywie.

Nie będziemy się znacząco rozwijać na temat programów graficznych. Ich wyczerpujące listy krążą w Internecie i wciąż są rozbudowywane. Wspomnimy jednak pokrótce o wartych uwagi pozycjach i zachęcamy do ich samodzielnego testowania. Jednocześnie podkreślamy, że istnieje teraz szerokie spektrum możliwości - płatne i darmowe, z okresami próbnymi i licencjonowane, programy na komputer i aplikacje mobilne i Internetowe, z koniecznością rejestracji i tego nie wymagające.

• • Google Web Designer - darmowy program od Google do tworzenia interaktywnych i animowanych grafik HTML5 przeznaczony na systemy Windows, Mac i Linux.
  • Programy ze stajni Adobe - ich potęgi nie trzeba nikomu udowadniać. Gigant z San Jose wciąż ma duże znaczenie na rynku i nie wydaje się, by miało się to prędko zmienić. Oferuje szerokie spektrum programów do grafiki rastrowej, wektorowej, animacji i inne. Aby z niego korzystać należy uiścić opłatę licencyjną - miesięczną lub roczną. Istnieje też możliwość uzyskania wysokiej zniżki nawet na cały pakiet programów, jednak dotyczy to wyłącznie studentów i wykorzystania programów w celach naukowych. Tak czy tak, Photoshop czy Illustrator to podstawowy pakiet wielu profesjonalistów.
  • Corel Draw - narzędzie do tworzenia ilustracji wektorowych, układów stron, edycji zdjęć, projektowania. Narzędzie przez jednych cenione, przez innych bagatelizowane, a nawet negowane. Warto przetestować samemu.
  • Procreate - aplikacja szczególnie umiłowana przez ilustratorów i digital artystów. Wiele narzędzi i możliwości czerpie z Photoshopa, więc jest godną uwagi propozycją, szczególnie jeśli kreacje miałyby być ilustrowane. Obecnie przeznaczona na iOS.
  • Canva - bezpłatna aplikacja internetowa do tworzenia grafiki: banerów internetowych, infografik, ulotek, prezentacji itp. Ma dedykowane rozmiary, ale trzeba przy niej uważać, bo nie wszystkie elementy można wykorzystać komercyjnie (np. tworząc logo). wymaga założenia bezpłatnego konta.
  • Pixlr - darmowy edytor symulujący możliwości Photoshopa. Umożliwia obróbkę zdjęć, tworzenie grafik. Jednak należy mieć na uwadze, że zapis pliku może pogorszyć jego jakość.
  • Crello - kolejny kreator online do grafik i zdjęć i animacji. Jak poprzednik wymaga bezpłatnego zarejestrowania się w serwisie.
  • Visme - kreator grafik, prezentacji oraz animacji, działający na podobnych zasadach co poprzednicy - darmowa rejestracja pozwala na skorzystanie z podstawowych funkcji, a płatne wersje stworzone są nawet dla całego zespołu firmowego.

Zamiast podsumowania, zamieszczę tutaj przykładowe grafiki, które mam nadzieję, pomogą Ci w pracy nad własnymi kreacjami.